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Muere El Greco - Historia

Muere El Greco - Historia

Muere El Greco
Murió El Greco, el pintor español. Sus pinturas incluyeron Laocoonte y The Resurrection.


Biografía de El Greco

El estilo dramático y expresionista de El Greco fue recibido con desconcierto por sus contemporáneos, pero fue apreciado en el siglo XX. El Greco es considerado un precursor tanto del expresionismo como del cubismo, mientras que su personalidad y obras fueron fuente de inspiración para poetas y escritores como Rainer Maria Rilke y Nikos Kazantzakis. Los estudiosos modernos han caracterizado a El Greco como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. Es mejor conocido por figuras alargadas tortuosamente y pigmentación a menudo fantástica o fantasmagórica, que casa las tradiciones bizantinas con las de la pintura occidental.


El Greco

El Greco

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos)

  • Nació: 1541 Creta, Grecia
  • Murió: 7 de abril de 1614 Toledo, España
  • Años activos: 1563 - 1614
  • Nacionalidad:Español, griego
  • Movimiento artístico:Manierismo (Renacimiento tardío)
  • Escuela de pintura:Escuela cretense
  • Campo:pintura, escultura, arquitectura
  • Influenciado por:Arte bizantino, iconos ortodoxos
  • Influenciado en:Eugene Delacroix, Edouard Manet, Paul Cezanne, Pablo Picasso, Franz Marc, Jackson Pollock, Roberto Montenegro, Jose Clemente Orozco, Francisco Pacheco, Expresionismo, Cubismo, Der Blaue Reiter (El jinete azul)
  • Maestros:Tiziano
  • Amigos y compañeros de trabajo:Giulio Clovio
  • Wikipedia:en.wikipedia.org/wiki/El_Greco

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Domenikos Theotokopoulos, también conocido como "El Greco" debido a su herencia griega, fue un popular pintor, escultor y arquitecto griego del Renacimiento español. Era un maestro del arte posbizantino a la edad de 26 años, cuando viajó a Venecia, y más tarde a Roma, donde abrió su primer taller. A diferencia de otros artistas, El Greco modificó su estilo para diferenciarse de otros artistas de la época, inventando nuevas e inusuales interpretaciones de temas religiosos. Creó figuras ágiles y alargadas e incluyó una luz atmosférica vibrante. Después de la muerte de Rafael y Miguel Ángel, estaba decidido a dejar su propia huella artística y se ofreció a pintar sobre la Última Cena de Miguel Ángel al Papa Pío V.Sus creencias artísticas poco convencionales (incluida su aversión por Miguel Ángel), junto con su fuerte personalidad, llevaron al desarrollo de muchos enemigos en Roma, especialmente las hostilidades de los críticos de arte.

En 1577, El Greco se traslada a Toledo, donde produce la mayoría de sus obras maduras. Aunque completó importantes obras por encargo en las iglesias de los alrededores de Toledo, quedó en desgracia con el rey, por lo que no recibió el patrocinio real que tanto deseaba. El Greco hizo de Toledo su hogar, alquilando una serie de apartamentos al marqués de Villena, que incluían tres apartamentos y veinticuatro habitaciones. Pasó gran parte del tiempo estudiando, pintando y viviendo con un gran estilo, a menudo empleando músicos para que le tocaran mientras cenaba.

Aunque fue un pintor muy reconocido y prolífico, cerca del final de su vida experimentó dificultades económicas, exacerbadas por el impago de su trabajo para el Hospital de Caridades de Illescas. Encontró su fin a la edad de 73 años, debido a una enfermedad repentina. Después de su muerte, las obras de El Greco fueron ignoradas en gran medida. Su tratamiento inusual de la temática y la iconografía compleja llevaron a muchos contemporáneos a desacreditar sus obras. No fue hasta la aparición del período romántico que sus obras se descubrieron nuevamente, lo que provocó un resurgimiento del interés por las obras del artista. Más tarde, sus obras influyeron en pintores realistas, impresionistas, cubistas y abstractos, incluidos Pablo Picasso y Edouard Manet.

Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos (en griego: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος [& # 240oˈminikos θeotoˈkopulos] 1541 & # 160–7 de abril de 1614), más conocido como El Greco (& quot; el arquitecto griego & quot), fue un pintor y escultor español del Renacimiento. & quot El Greco & quot era un apodo, una referencia a su origen griego, y el artista normalmente firmaba sus pinturas con su nombre completo de nacimiento en letras griegas, Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos), a menudo añadiendo la palabra Κρής (Krētan & quotCretan & quot). .

El Greco nació en el Reino de Candia, que en ese momento formaba parte de la República de Venecia y el centro del arte posbizantino. Se formó y se convirtió en un maestro dentro de esa tradición antes de viajar a los 26 años a Venecia, como habían hecho otros artistas griegos. En 1570 se trasladó a Roma, donde abrió un taller y ejecutó una serie de obras. Durante su estancia en Italia, El Greco enriqueció su estilo con elementos del manierismo y del Renacimiento veneciano tomados de varios grandes artistas de la época, entre los que destaca Tintoretto. En 1577 se trasladó a Toledo, España, donde vivió y trabajó hasta su muerte. En Toledo, El Greco recibió varios encargos importantes y realizó sus pinturas más conocidas.

El estilo dramático y expresionista de El Greco fue recibido con desconcierto por sus contemporáneos, pero fue apreciado en el siglo XX. El Greco es considerado un precursor tanto del expresionismo como del cubismo, mientras que su personalidad y obras fueron fuente de inspiración para poetas y escritores como Rainer Maria Rilke y Nikos Kazantzakis. Los estudiosos modernos han caracterizado a El Greco como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. Es mejor conocido por figuras alargadas tortuosamente y pigmentación a menudo fantástica o fantasmagórica, que casa las tradiciones bizantinas con las de la pintura occidental.

Nacido en 1541, en el pueblo de Fodele o Candia (el nombre veneciano de Chandax, actual Heraklion) en Creta, El Greco descendía de una próspera familia urbana, que probablemente había sido expulsada de Chania a Candia después de un levantamiento contra los católicos venecianos entre 1526 y 1528. El padre de El Greco, Ge & # 243rgios Theotok & # 243poulos (m. 1556), era comerciante y recaudador de impuestos. No se sabe nada de su madre ni de su primera esposa, también griega. El hermano mayor de El Greco, Mano & # 250ssos Theotok & # 243poulos (1531 & # 160–13 de diciembre de 1604), era un rico comerciante y pasó los últimos años de su vida (1603–1604) en la casa de El Greco en Toledo.

El Greco recibió su formación inicial como pintor de iconos de la escuela cretense, centro destacado del arte posbizantino. Además de la pintura, probablemente estudió los clásicos de la antigua Grecia, y tal vez los clásicos latinos también dejó una "biblioteca funcional" de 130 libros a su muerte, incluida la Biblia en griego y un Vasari anotado. Candia era un centro de actividad artística donde convivían armoniosamente las culturas oriental y occidental, donde alrededor de doscientos pintores estaban activos durante el siglo XVI, y había organizado un gremio de pintores, basado en el modelo italiano. En 1563, a la edad de veintidós años, El Greco fue descrito en un documento como un "maestro" ("maestro Domenigo"), lo que significa que ya era un maestro del gremio y presumiblemente operaba su propio taller. Tres años más tarde, en junio de 1566, como testigo de un contrato, firmó su nombre como μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος (& quotMaster M & # 233negos Theotok & # 243poulos, pintor & quot).

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3. Ya se le consideraba un maestro cuando tenía poco más de 20 años.

Habia sobre 200 artistas activos en Creta en ese momento y El Greco era claramente uno de los más talentosos de todos. En 1563, cuando él era solo 22, ya fue descrito como un "maestro Domenigo, ”Un maestro pintor que ya se ganó su reputación y probablemente tenía su propio estudio.

Esto se enfatiza por el hecho de que firmó con el nombre griego "μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος", que se traduce como "Maestro Ménegos Theotokópoulos, pintor.” Posible retrato de EL Greco / Wiki Commons


Obras De El Greco

La Santa Trinidad, pintado entre 1577 y 1579, representa a Dios sosteniendo a un Cristo moribundo en sus brazos, mientras flotan en medio de las nubes en el cielo, con la paloma del Espíritu Santo volando sobre sus cabezas. A su alrededor hay seis ángeles con túnicas de colores, y detrás de ellos, que viene de arriba, hay una luz dorada brillante. La pintura es parte del primer gran encargo de El Greco para la Iglesia Santo Domingo en Toledo y, tan pronto como se completó, lo estableció dentro de la comunidad como un artista venerado. Hoy en día se considera una de sus obras maestras y se destaca como una de las pinturas favoritas de Édouard Manet.

Este primer ejemplo de la obra de El Greco presenta una síntesis de las dos principales influencias que lo definen: los maestros del Renacimiento y la tradición icónica bizantina. Aunque la composición muestra afinidades con las obras de Miguel Ángel y Durero, y se cree que ambos artistas fueron una profunda inspiración para esta pintura, la obra también muestra varios atributos únicos que definieron el cuerpo de trabajo de El Greco y compusieron su lenguaje característico. El historiador de arte Keith Christiansen afirma que "hizo de las formas alargadas y retorcidas, el escorzo radical y los colores irreales la base misma de su arte". Todos estos aspectos están presentes en La Santa Trinidad: el uso brillante y expresivo del color en las túnicas, la continuidad entre formas y sustancia en el entrelazamiento de los cuerpos de las figuras, el alargamiento de las figuras, especialmente en el cuerpo de Cristo, y la cualidad imaginativa de ensueño que define el sentimiento general de la pintura. Una de sus principales técnicas características también ya se utiliza profusamente en la obra, que es el uso de reflejos junto a contornos oscuros y gruesos para crear un efecto profundamente dramático.

Una interpretación específica se puede encontrar en los colores empleados, donde se puede ver el aspecto lúgubre de las nubes para representar la muerte, oponiéndose a los rayos dorados arriba que simbolizan lo eterno, los dos enfatizan la dualidad entre la vida y el para siempre. En general, esta es la interpretación principal de la obra: una encarnación de lo eterno como una realidad, inculcando así un nuevo sentido de esperanza y devoción en los fieles.

Óleo sobre lienzo - Museo del Prado, Madrid

El noble de la mano en el pecho (El caballero de la mano en el pecho)

Esta pintura es un retrato de un noble o caballero de unos 30 años, cuyo nombre real se desconoce. Está vestido con ropas tradicionales españolas y sostiene una espada en una mano mientras la otra se balancea sobre su corazón. Mirando intensamente al espectador, es retratado de una manera profundamente realista pero también imaginativa. Con un aspecto profundamente característico de la obra de El Greco, la representación posee rasgos específicos técnicamente precisos como la barba, combinados con elementos estilizados, como los dedos y el torso alargados. Los colores y tonos apagados y oscuros contrastan mucho con el blanco de los volantes. El uso dramático del contraste y la luz realza en gran medida las profundidades emocionales y psicológicas que definen al sujeto.

Aunque El Greco era conocido principalmente por sus temas religiosos, también fue un retratista prolífico, conocido por capturar el carácter y la personalidad de sus sujetos de una manera intuitiva. Esta pintura se considera su retrato más famoso. También es un ejemplo de su ruptura con el estilo tradicional renacentista y su origen bizantino a través de un modo más manierista e imaginativo. El Greco era conocido por afirmar que un artista "debe estudiar a los Maestros pero guardar el estilo original que late dentro de su alma", enfatizando la importancia de establecer y ser fiel a su propia visión y lenguaje artístico individual.

Este retrato puede verse como una influencia directa en los trabajos de retrato desarrollados posteriormente por otros movimientos artísticos como el expresionismo. De manera más amplia, la capacidad de El Greco de transformar la realidad para exponer una visión interior o mundo interior, puede verse como un precursor del Arte Moderno.

En este contexto, también es una referencia a la pintura de Picasso titulada Retrato de un pintor, según El Greco, de 1950, que puede verse como un homenaje a la forma de concebir y entender el arte de El Greco, que marcó una gran influencia en Picasso desde el inicio de su carrera artística. En la obra, Picasso combinó el uso de los marrones oscuros y ocres de El Greco con su lenguaje cubista característico, haciéndose eco siglos después de la iconografía omnipresente de El Greco.

La pintura aparece en la portada de un álbum de Vangelis titulado El Greco de 1998.

Óleo sobre lienzo - Museo del Prado, Madrid

El Entierro del Conde de Orgaz (El entierro del conde de Orgaz)

Este gran cuadro, de tres metros y medio de ancho por casi cinco metros de alto, es universalmente considerado como la obra maestra más grande y la obra más famosa de El Greco. Fue encargado por el párroco de Santo Tomé en Toledo, y está considerado como un excelente ejemplo de manierismo. Junto a Tintoretto, Agnolo Bronzino, Jacopo da Pontormo y otros, El Greco es considerado uno de los principales artistas manieristas. Su contribución al desarrollo del movimiento está marcada por composiciones visuales que se alejaron de una perfección idealizada hacia un mundo cargado de tensión y complejidad emocional a través de la forma, la imaginación y la expresión.

El Greco se refirió a esta pintura como su 'obra sublime'. El Entierro del Conde de Orgaz es una leyenda popular en Toledo de un hombre piadoso y caritativo que dejó una gran suma de dinero a la iglesia después de su muerte y posteriormente fue enterrado y escoltado al cielo por San Esteban y San Agustín. La escena funeraria está retratada en la parte inferior del cuadro, con el Conde rodeado por los dos santos, seguido de otros nobles y clérigos de la época con vestimentas del siglo XVI, captados de forma estática. Se contrasta con el reino celestial en el cielo que incluye a María, Cristo, Dios, Juan el Bautista y los ángeles, quienes observan la escena, representada de una manera más orgánica y fluida, para representar la intangibilidad e inmaterialidad del espíritu. . Se dice que el niño de la izquierda es Jorge Manuel, el hijo del artista.

Una posible interpretación es la yuxtaposición de los mundos: el mundo físico de la tierra y el mundo espiritual del cielo, cada uno retratado a su manera. La Tierra se captura en escala normal con figuras más proporcionales, mientras que el cielo se compone de nubes arremolinadas y formas abstractas, con una calidad más intangible para las figuras. Esta clara distinción permite en gran medida dos ideas: por un lado se propone una unión entre ambos mundos, por otro, se potencia la separación de los mundos. Otra interpretación la ofrece el historiador del arte Dr. Vida Hull, quien afirma que la pintura representa "una experiencia visionaria". En su opinión, el carácter amorfo y el alargamiento de los cuerpos transmiten un profundo sobrenaturalismo, ya que es el alma del Conde la que está subiendo al cielo.

Las escenas de entierro a menudo se representaban como un tema religioso principal en el arte. Otras obras de enterramiento notorias, pintadas después de El Greco, incluyen la Entierro en Ornans (1849) de Gustave Coubert, El entierro de la sardina (c. 1812-1819) de Francisco Goya, y el Entierro de Santa Lucía (1608) de Caravaggio.

Óleo sobre lienzo - Iglesia de Santo Tomé, Toledo

Virgen y el Niño con Santa Martina y Santa Inés

Virgen y el Niño con Santa Martina y Santa Inés representa a María y el niño Jesús sentados en las nubes en el cielo, acompañados de Santa Inés sosteniendo un cordero en la parte inferior derecha y Santa Martina en la parte inferior izquierda. Las figuras dominan la mayor parte de esta pintura a gran escala, entrelazándose entre sí de una manera compleja e interdependiente. La pintura se colocó originalmente frente a otra de las pinturas de El Greco, San Martín y el mendigo, en la Capilla de San José de Toledo y representa un cuerpo de trabajo realizado entre 1957 y 1607 de diversos encargos que caracterizan su etapa de madurez.

Esta obra es un ejemplo de su naturaleza profundamente expresiva y su enfoque estilizado de la forma. El uso de colores brillantes y vibrantes, que también es tan característico de las pinturas de El Greco, está muy presente en la obra, con los mantos de los ángeles y María en rojos, azules y amarillos profundos. Para El Greco, el uso del color se consideraba un rasgo fundamental de toda pintura, mucho más que la forma, y ​​pensaba que se trataba de un tema profundamente complejo al afirmar que consideraba la imitación del color "como la mayor dificultad del arte". "

Una forma de interpretar la obra la propone el novelista y crítico de arte Aldous Huxley, cuando en 1950 afirmó que "la intención del artista no era ni imitar la naturaleza ni contar una historia con verosimilitud dramática", sino más bien crear "su propio mundo de formas pictóricas en el espacio pictórico bajo iluminación pictórica. utilizándolo como un vehículo para expresar lo que quería decir sobre la vida". En esta perspectiva, es el mensaje subyacente, la descripción del reino espiritual como una presencia real del mundo, lo que otorga a la obra su significado universal.

Óleo sobre lienzo - Galería Nacional de Arte, Washington D.C.

Vista de Toledo

La pintura muestra una vista de la ciudad de Toledo donde vivió El Greco la mayor parte de su vida. El paisaje está pintado de manera dramática, con una vegetación viva en primer plano y nubes tumultuosas que parecen anunciar una tormenta como fondo. La ciudad está representada en tonos grises, ya que se asienta a la distancia en la cima de las colinas naturales, que conducen al puente romano de Alcántara. Los edificios están representados en forma de nube, una aglomeración agrupada orgánicamente.

El Greco abordó el tema de la misma manera que lo hizo con sus otras obras, inspirándose en la realidad pero sin ser fiel a ella. Inventó la escena con el fin de transmitir las emociones que deseaba además de estar correctamente ubicado el castillo de San Servando, todo el resto de edificios se derivan de su imaginación.

La representación de un sujeto paisajístico era un tema inusual para la época, especialmente en un contexto español, que le valió a El Greco la consideración como el primer paisajista en la historia del arte español. Esta particular interpretación del cielo es una de las más conocidas en el arte occidental. Es el único ejemplo sobreviviente de los paisajes de El Greco y se sabe muy poco sobre su historia, origen o circunstancias.

El lenguaje imaginativo de la pintura también puede verse como una influencia directa en el expresionismo. Ambos de Edvard Munch El grito de 1893, con su espectacular cielo y nubes que fluyen, y los paisajes de Van Gogh como La noche estrellada pintado en 1889, con su vegetación retorcida y cielos dramáticos, todo se puede ver para ampliar el mirador de El Greco.

Óleo sobre lienzo - Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El éxtasis de San Francisco de Asís

La pintura representa el éxtasis de San Francisco, un tema popular en el arte clásico también representado por Caravaggio en 1595, por Giovanni Bellini en 1475, por Giovanni Baglione en 1601 y varios otros artistas notorios que se sintieron atraídos por la historia. Representa la escena de la vida legendaria de San Francisco de Asís, un santo italiano del siglo XII, que dos años antes de su muerte en 1224, se embarcó en un viaje al monte La Verna durante cuarenta días de ayuno y oración. Una mañana, mientras oraba, entró en un éxtasis religioso y recibió los estigmas (las marcas de Cristo en su cuerpo cuando fue clavado en la cruz) por un ángel o serafín. En la pintura, El Greco retrata a San Francisco en este preciso momento con un rostro lleno de emociones de devoción, dolor y entrega. Frente al Santo hay una calavera, generalmente asociada con el Santo, y un símbolo de la mortalidad.

El Greco quedó fascinado con este tema, ya que generalmente se sostiene que su taller poseía más de un centenar de representaciones de San Francisco. Sin embargo, en esta pintura, El Greco dispensa sus habituales representaciones luminosas, coloridas y brillantes, y crea una atmósfera general oscura y sombría para recrear la experiencia dolorosa y dramática del Santo.

Aunque la pintura también es un ejemplo de manierismo, su uso de la oscuridad y la luz de alto contraste parece recordar otro lenguaje artístico que puede asociarse a la obra dramática de Rembrandt en el siglo XVII.

Bendición de Cristo (El Salvador del mundo)

Esta pintura representa a Cristo sosteniendo una mano sobre un globo azul y haciendo un gesto hacia el cielo con la otra. Hay una luz blanca que brilla desde detrás de él o desde dentro de él, actuando como un halo contra el fondo negro oscuro. Está pintado con el estilo fluido característico de El Greco y posee una profunda fuerza estética y psicológica, otorgada principalmente por la intensa mirada de los ojos de Cristo que miran profundamente al observador. El vivo color rojo brillante de su túnica contrasta profundamente con el color tenue y sombrío empleado en el resto de la pintura. Como es característico de su obra, los dedos y el torso alargados, profundamente inspirados por Tintoretto y Tiziano, otorgan a la pintura una cualidad onírica, real y profundamente ajena al mundo, que parece hacer que Cristo pertenezca, física y metafóricamente, a ambos mundos.

Esta obra refleja un buen ejemplo del modo de El Greco de combinar una tradición icónica más bizantina con el enfoque más humanista del Renacimiento, sin dejar de rechazar una imitación exacta de la realidad. Como afirma el historiador de arte Keith Christiansen, "El Greco rechazó el naturalismo como un vehículo para su arte del mismo modo que rechazó la idea de un arte fácilmente accesible para un gran público. Lo que abrazó fue el mundo de un estilo erudito, consciente de sí mismo, o maniera, "profundamente asociado al manierismo. Al negar el mundo que lo rodea y alejarse de los lenguajes realistas y naturalistas, encarna el reino del espíritu a través del movimiento y la libertad de forma de una manera simbólica y metafórica. De hecho, El Greco es conocido por afirmando, "El espíritu de la creación es una exploración insoportable e intrincada desde el interior del alma".

Óleo sobre lienzo - Galería Nacional de Escocia, Edimburgo, Reino Unido

Laocoonte (Laocoonte)

La pintura retrata el mito de Laocoonte, un sacerdote troyano que, según la leyenda, advirtió a los lugareños sobre el caballo de Troya y también profanó el templo de Dios. Como consecuencia, serpientes gigantes enviadas por los dioses enojados lo mataron a él y a sus dos hijos, Antiphantes y Thymbraeus. En la pintura, los tres están representados en primer plano siendo engullidos por las grandes serpientes. A la derecha, uno de los hijos parece estar ya muerto mientras yace en el suelo, mientras que Laocoonte y su otro hijo luchan por sus vidas. El fondo muestra el caballo de Troya y el pueblo de Toledo rodeado de árboles en intensos azules y verdes. Estos vibrantes colores de la vida contrastan enormemente con la paleta de grises apagados que se usa para las figuras que simbolizan la muerte. Se presume que las dos figuras que se encuentran en el extremo derecho son Apolo y Artemisa, quienes observan el desarrollo del drama.

El historiador de arte Keith Christiansen afirma: "Ningún otro gran artista occidental se movió mentalmente, como lo hizo El Greco", enfatizando la intención psicológica subyacente de la obra. En este sentido, la principal interpretación que se puede extraer se deriva del mito mismo, de que el hombre es impotente y desesperado en el reino de lo Divino y debe sucumbir a su destino inevitable.

Esta obra se considera uno de los mejores ejemplos de las obras posteriores de El Greco, y la única de sus pinturas conocidas que representa un tema mitológico más que religioso. Junto con La Visión de San Juan (1608-1614), es conocido por tener una profunda influencia en los movimientos expresionista y cubista debido a su intensa imaginería emocional y su vívida acentuación de la forma individual dentro de la composición general.

Óleo sobre lienzo - Galería Nacional de Arte, Washington D.C.

La Visión de San Juan

Este gran lienzo se considera otra de las obras maestras de El Greco. Representa un pasaje de la Biblia, Apocalipsis (6: 9-11), que describe la apertura del Quinto Sello al final de los tiempos y la distribución de túnicas blancas a "los que habían sido muertos por la obra de Dios y por el testimonio que habían dado ". En primer plano, vemos la figura alargada de San Juan, de rodillas con los brazos abiertos, implorando a Dios arriba. Detrás de él se muestra un grupo de figuras desnudas, que alcanzan el cielo en busca de sus túnicas, algunas de las cuales son blancas y otras de colores. Estas son las almas de los mártires que han estado clamando a Dios por justicia.

El cuadro es una de las diversas obras encargadas por Pedro Salazar de Mendoza, admirador y coleccionista, para la Iglesia del Hospital de San Juan Bautista (Hospital de Tavera). El Greco murió antes de que pudiera terminar la pintura y se dice que faltaba una parte superior de la pintura, que se cree que fue destruida en 1880. Los rumores afirman que la parte faltante podría haber representado al Cordero sacrificatorio abriendo el Quinto Sello.

La obra ejerció una profunda influencia en Pablo Picasso, quien se cree que la estudió profundamente utilizándola como inspiración para la composición de su propia obra maestra. Les Demoiselles D'Avignon (1907). Se pueden establecer conexiones en la composición dinámica creada entre las diversas figuras en ambas pinturas.

El crítico de arte Jonathan Jones, afirma que El Greco "se sintió atraído por la complejidad, la oscuridad, la sofisticación", tres características que definen en gran medida esta obra, y que "hablaba un lenguaje mesiánico de renovación religiosa". Esta renovación a través de la fe es, de hecho, una de las principales motivaciones de El Greco, y es el principal mensaje subyacente de esta obra que enfatiza la salvación y protección de las almas que son buenas.


5 datos curiosos sobre el artista renacentista español El Greco

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Decir que El Greco, pintor, escultor y arquitecto del Renacimiento español, es una figura importante en la historia del arte es quedarse corto. El artista, que nació en 1541 y murió en 1614, hizo enormes contribuciones artísticas al mundo e incluso desafió la obra de Miguel Ángel. A continuación encontrará 5 datos divertidos sobre El Greco que se pueden utilizar en el aula o simplemente para su propio enriquecimiento personal.

5 datos curiosos sobre el artista El Greco

Hay docenas de hechos asombrosos sobre el artista El Greco que intrigarán a los amantes del arte. Aquí hay solo 5 & # 8230

    El Greco ”no era el nombre de nacimiento del artista.& # 8212 nació “Doménikos Theotokópoulos . " "El Greco" simplemente significa "El griego". Si bien el artista era ampliamente conocido como El Greco, ya que alcanzó notoriedad, por lo general firmaba su nombre de nacimiento completo en su arte en letras griegas. La Enciclopedia Británica dijo que El Greco era “un nombre que adquirió cuando vivía en Italia, donde la costumbre de identificar a un hombre designando el país o la ciudad de origen era una práctica común. La forma curiosa del artículo (El), sin embargo, puede ser el dialecto veneciano o más probablemente del español ”.

  1. A pesar de ser griego, El Greco era un católico devoto. También lo eran muchos otros ciudadanos del Reino de Candia, que fue su lugar de nacimiento. El Reino de Candia (Creta) era parte de la República de Venecia en ese momento. Fue el hogar del Greco hasta los 20 años, momento en el que emigró a Venecia para estudiar con Tiziano, el pintor más reconocido de su época. Las dos religiones principales del Reino de Candia eran el catolicismo romano y la ortodoxia griega. Aunque el pintor era griego, se autoproclamó católico devoto. Algunos eruditos creen que se convirtió de la ortodoxia griega para formar parte de la minoría católica cretense. Incluso si El Greco no hubiera afirmado ser católico en su última voluntad y testamento, su obra de arte refleja el clima religioso de la España católica romana y, por lo tanto, habría sido un regalo.

    El Greco fue expulsado de Roma por artistas leales a Miguel Ángel . En su articulo El discípulo renuente ,

    El Greco tuvo un gran éxito en España después de que se mudó allí en 1576. . Mientras que en España El Greco pintó

& # 8220El entierro del conde de Orgaz & # 8221
Wikipedia

El 7 de abril de 1614 murió El Greco en España. Según Biography falleció sin ser apreciado por el mundo del arte que no lo reconocería como maestro durante 250 años. Hoy en día es conocido como uno de los pintores más influyentes que jamás haya existido. Los estudiosos del arte también creen que El Greco influyó en artistas como Picasso, así como en escritores como Rainer Maria Rilke y Nikos Kazantzakis.

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También se incluyen en este conjunto sus numerosas interpretaciones religiosas:

  • El expolio
  • La sagrada familia
  • Anunciación
  • Vía crucis
  • San juan evangelista
  • Apóstoles Pedro y Pablo
  • El Pedro Arrepentido
  • Un paisaje (Vista de Toledo)

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Contenido

Kanda Shokai se estableció en 1948 y la marca Greco se inició en 1960. [2] [3] [1] [4] No fue hasta 1966/1967 que Kanda Shokai comenzó a comercializar modelos tipo Telecaster de Greco. [ aclaración necesaria ] Originalmente, Kanda Shokai usó la marca 'Greco' para los modelos de cuerpo sólido y usó la marca 'Canda' para sus modelos acústicos, basándose en el nombre de la empresa Kanda (Canda). A mediados / finales de la década de 1960, Kanda Shokai también exportó algunas guitarras de la marca Greco basadas en los diseños de Hagström y EKO para Avnet / Goya en los EE. UU. [ cita necesaria ] Estas guitarras fueron fabricadas por FujiGen y Matsumoku (y posiblemente Teisco [ cita necesaria ]) fábricas de guitarras y eran muy similares a las guitarras Ibanez de finales de la década de 1960 basadas en los diseños de Hagström y EKO. Kanda Shokai también comercializó algunos diseños originales a finales de los años 60, incluidas las guitarras Greco Semihuecas "Shrike", que fueron importadas y comercializadas primero por Goya y luego por Kustom. The "Shrike" model was unusual in that it had a pair of unusual "L" shaped pickups, with the corner of the "L" pointing towards the headstock on the neck pickup and towards the bridge on the bridge pickup These "boomerang" pickups predate the Gibson Flying V2 "Boomerang" shaped pickups by over 10 years.

In the early 1970s Kanda Shokai marketed Greco Gibson-like models, but with bolt-on necks rather than the set necks of genuine Gibson guitars. These were very similar to the Ibanez Gibson-like models available at that time and most of these models had a Greco logo that looked more like "Gneco". By the mid/late 1970s most Greco Gibson-like models were being made with set necks and open book Gibson headstock designs. Some other Greco Gibson-like models from the 1970s had a different headstock design, more like a Guild headstock design, that had a Greco logo with equally sized letters.

Starting in 1979, the Greco "Super Real Series" was introduced which made available high standard replicas of Gibson and Fender models. In 1982 the Greco "Mint Collection" was introduced, which continued the high standard of the "Super Real Series". In 1982 Kanda Shokai and Yamano Gakki become part of Fender Japan and Kanda Shokai stopped producing its own Greco Fender replica models. Since the end of the Greco open book headstock Gibson replicas in the early 1990s, Kanda Shokai have produced various models using the Greco brand name such as the "Mirage Series" (similar to the Ibanez Iceman), various Gibson copies (not using the open book Gibson headstock design), Violin basses (VB), Zemaitis Guitars and addition to various other models.

Some notable guitar players who have used Greco guitars include Ace Frehley who used Greco Les Paul replicas when his band Kiss was on tour in Japan, Millie Rose Lee of Dead Witch and Elliot Easton of The Cars, Peter Tork of The Monkees on his 1979 -81 solo tours had 2 of the Tobacco Sunburst Les Paul models. The Greco BM line is particularly notable as they're almost endorsed signature models. Brian May played (or at least mimed) his BM-900 on several television appearances [5] [6] and in 1983 remarked:

A Japanese firm called Greco made a Brian May guitar, an exact copy. They called it a BHM 900 or something. They sent me an example. I said, "Thanks very much for sending it to me. It looks nice, but it doesn't actually sound that nice. Why don't we get together and make it sound good, too? Then you can put my name on it properly". They never replied. [7]

Early Greco electrics Edit

The Japanese made Greco guitars were initially being distributed in the US through Goya and later by Kustom (known for their amps). Prior to that, Goya sold Electric guitars made by Hagstrom . Among the Electric guitar models that Greco offered during this period, were two thin semi-hollow bodystyle that were equipped with the Patented “Shrike” pickups. These were the 950, and 975 models. A 12 string version for both bodystyles were available as well, and were labeled models 960 and 976 respectively. Those models with the Boomerang “L” shaped split coil pickups were called “Shrike” models. The “Shrike” pickups were advertised as producing that distinctive "shrike" sound. The shrikes had a single volume pot and a group of slide switches to control the 4 split coil pickups in the 2 L shaped enclosures. So you could switch between high and low strings on the pickups.

The 975 model and its 12 string brother the 976 model were the top of the line imported Grecos in 1968. These were initially available only in the Shrike version, and later a more conventional 2 standard pickup version appeared. The models with standard pickups were not called “Shrike” models. Standard pickup models had the common 2 volume, 2 tone pot controls and toggle switch for the two pickups. These were regarded as attractive and well-made guitars. They had bound semi-hollow bodies and a bound neck, diamond-shaped sound holes, rectangular shaped fretboard inlays and headstock truss adjustment. The tuners were the same as the Teisco Spectrum 5 of that period, and the Neck-plate had the L shaped pickup patent number stamped on it. The zero fret and thin neck is reminiscent of a Mosrite. The 975 model “Shrike” was considered to be of higher build quality than the many entry-level Japanese guitars that had become widely available earlier in the decade, but by 1970 the 975-style models were discontinued, a victim of the decline of the 1960s guitar boom. Soon Greco would move toward copying Fender and Gibson products, becoming a major brand in the so-called "Lawsuit" copy era, along with Tokai and the Ibanez company, which became the subject of legal action by Gibson.

Lawsuit "copy" era Edit

The Greco Fender replicas from the late 1970s and early 1980s are similar to the early Fender Japan guitars, as Kanda Shokai owns the Greco brand and is also a part of Fender Japan. The Greco Fender replicas made by Matsumoku have Matsumoku stamped on the neckplate and the other Greco Fender replicas were made by Fuji-Gen Gakki. Most of the Greco models included the original selling price in Japanese Yen (in Japanese) 円 in the model number (EGF-1800 = 180000 Yen). The "Super Real Series" date from late 1979 to 1982 and the open O Greco logo "Mint Collection Series" date from 1982 to the early 1990s. The "Mint Collection Series" have an open O letter in their Greco logo (an O letter with the top part of the O letter removed) and the "Super Real Series" usually have a closed O letter in their Greco logo.

The Fuji-Gen Gakki guitar factory were the main maker of the Greco guitars in the 1970s and 1980s. [12] Fuji-Gen Gakki obtained a CNC router in mid-1981 for making guitar parts and also began to manufacture their own pickups starting in late 1981. [13] The Fuji-Gen Gakki CNC router and Fuji-Gen Gakki made pickups were used for the "Super Real" and "Mint Collection" series starting from 1981 to the early 1990s. Up until 1981/1982, Nisshin Onpa (Maxon) made pickups were used in the Greco guitars including the "Super Real Series" and the guitars were made in a more luthier style with no CNC machines used. The Cor-Tek and Tokai guitar factories were also used to make some Greco models due to FujiGen not being able to make some lower priced Grecos in the late 1980s.

There were also some transitional Greco models from 1981/1982 that have a mixture of "Super Real Series" and "Mint Collection Series" features such as a "Super Real" model with an open O letter in the Greco logo instead of a closed O letter. The Super Real EGF (flametop) and EG series higher end models featured nitrocellulose lacquer finishes and fret edge binding and some of the Super Real lower end models also featured fret edge binding.

Medium tenon neck joints with dowel reinforcements were used up until 1981 and standard Gibson style long and medium tenon neck joints were used after 1981. The medium tenon neck joints with dowel reinforcements were very similar to the Gibson long tenon neck joints that were used in the early 1970s before Gibson switched to using a short tenon neck joint. Some Greco models featured chambered (not solid) body designs up to the early 1980s, which weighed less than a regular solid body model and also had a slight semi acoustic quality. Some of the current Gibson models also use chambered bodies, such as the Gibson Les Paul Supreme.

Some Greco Les Paul guitars up until 1982 had laminated pancake bodies and were based on the similar Gibson Les Paul laminated guitars from the 1970s. The lowest priced Greco Les Pauls sometimes had different wood combinations from the regular Maple and Mahogany. Up to 1980 the lowest priced Greco Les Pauls, such as the EG450 model, had Birch bodies. The lowest priced Super Real and Super Power Les Pauls, such as the EG450 and EG480 models from late 1979 to 1982, had Sycamore tops.

The EGF-1800 (flametop), EGF-1200 (flametop) and EG-1000C (custom) models from the 1980 and 1981 catalogues (as well as very early 1982 models) featured "Dry Z" pickups (PAF-like pickups made by Nisshin Onpa (Maxon)). The type of pickups varied depending on the guitars original selling price and the Nisshin Onpa (Maxon) made "Dry Z" or Fuji-Gen Gakki made "Dry 82" pickups were reserved for the top end models. The lower end models such as the EG-500 mostly used 3-piece maple tops while the higher end models mostly used 2-piece maple tops. "Mint Collection" models with a K after the numeric price designation (e.g. PC-98K) came with factory-installed Kahler tremolo (vibrato) bridges.

The "Mint Collection Series" features varied according to price, with some of the higher-end models, such as the EG58-120, model having most of the features of the "Super Real" higher-end models. Most of the "Mint Collection Series" had long-tenon neck joints, but some had medium long tenon neck joints. There were also some Greco "Super Sound", "Super Power" and "Rock Spirits" Gibson replica models made. The "Super Sound" models were mid-priced models from the "Super Real" years (1979-1982) and the "Super Power" models were lower-priced models from the "Super Real" years (1979-1982). The "Rock Spirits" models were lower-priced models from between 1979 and the early 1990s

Greco guitars have been made by Matsumoku, Fuji-Gen Gakki, [14] Dyna Gakki [15] and others as well. Greco Gibson replicas around 1975 and pre 1975 models had a Greco logo that looked like "Gneco".

Most of the Greco open book headstock Gibson replicas were made by FujiGen Gakki. Some Greco open book headstock Gibson replicas starting from around 1988 had no serial numbers. The lower priced no serial number Greco Les Paul and SG models were made by Cor-Tek (Cort) and usually have Cor-Tek (Cort) potentiometers. The Cor-Tek made Greco guitars have square shaped, brick like nuts with no slope and also often have shielding paint in the pickup and control cavities. Other higher priced no serial Greco Les Paul and SG models were made by Tōkai and the Les Paul models have an EG-75 or EGC-75 model number stamped in the pickup cavity and sometimes have fret edge binding.

The no serial Greco guitars made by Tokai have square shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities whereas the no serial Greco guitars made by Cor-Tek (Cort) have thinner rectangle shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities. Kanda Shokai stopped using the open book headstock design on Greco Gibson replica models around the early 1990s and then concentrated on their other model lines and Fender Japan. Atlansia have supplied body and neck parts for Greco models as well. Tokai currently make the Kanda Shokai Zemaitis and Talbo models.


Emily Dickinson

Emily Dickinson via WikiCommons

Emily Dickinson wrote about love so eloquently, “morning without you is a dwindled dawn” which is the nicest thing we’ve read all day. She was hugely prolific as she wrote and published over eighteen hundred poems while she was alive so she really didn’t have time for any awkward dating situations. Nobody, especially Emily Dickinson had time for that. Sadly, many of her close family and friends died before her, and she struggled coming to terms with their deaths. She died a recluse, some debating if she suffered from Agoraphobia and Epilepsy.

Do you know about how other artists lived out the last days of their life? How have did your favorite artists enjoy (or not) their latter years? We’d love to keep the discussion going in the comments below.


Sisällysluettelo

El Grecon syntymäpaikkana pidetään Fódelen kylää. [2] El Grecon syntymän aikoihin Kreetalla oli paljon ikonimaalareita. Greco sai sieltä bysanttilaisia vaikutteita ja maalasi myös ikoneita. [1] Nuori El Greco varttui kreetalaisen koulukunnan vaikutteiden piirissä. Jo 22-vuotiaana vuonna 1563 häntä luonnehdittiin eräässä asiakirjassa mestariksi. [3] El Greco muutti 1565 Venetsiaan, jossa sai vaikutteita venetsialaisten maalarien värienkäytöstä ja manierismista. Hän työskenteli luultavasti Tizianin ja Tintoretton ateljeissa. Vuosina 1570–1571 hän oleskeli Roomassa, missä tutustui Michelangelon teoksiin. [1]

El Greco muutti Espanjan Toledoon noin vuonna 1576. Hän sai siellä tehtäväkseen maalata kolme suurta alttaritaulua Santo Domingo el Antiguon kirkkoon. Myöhemmin hän teki muotokuvia ja uskonnollisia tilausteoksia. Toledossa hänen ihmishahmonsa alkoivat pidentyä ja maalauksiin tuli levoton tunnelma. Voimakkaat siniset ja keltaiset värit irtautuivat luonnonmukaisista paikallisväreistä, ja El Grecosta tuli eurooppalaisen taiteen ensimmäisiä koloristeja. Hän alkoi käyttää yhä selkeämpiä valojen, varjojen ja värien vastakohtia. El Greco alkoi myös pidentää figuureitaan, mikä lisäsi näiden hengellistä voimaa ja loi maalauksiin levottoman tunnelman. Hänen värinsä, varsinkin kirkkaat siniset ja keltaiset, eivät olleet luonnonmukaisia. Värien ohella selkeän tilakuvauksen hylkääminen lisäsi hänen teostensa salaperäisen hengellistä tuntua. [1]

Vaikka El Grecon ateljeessa työskenteli monia taiteilijoita ja hänen teoksiaan kopioitiin, ei hän vaikuttanut paljonkaan naturalisemmin maalanneisiin aikalaisiinsa. [1] El Grecon omaperäinen tyyli hämmensi aikalaisia, eikä häntä juuri tunnettu Espanjan ulkopuolella, mutta 1900-luvulla hänen teoksensa saivat arvostusta. [4]


El Greco and his paintings


El Greco is probably one of the most well known artists of his time, and still to this day, over 500 years after his death. Because of the obscurity in his style, and the fact that he was considered a painter of the spirit, he was one of the most influential painters, which set the groundwork for many to follow, and for many art forms that followed. His work was admired by the members of the Blue Rider School, and several artists who followed, far after his career ended.

El Greco was born in Crete, and was trained as an icon painter. The non-naturalistic basis of his work showcased the talent that would follow, in the many pieces created during the course of his career. He moved to Venice in 1567, as Crete was considered a Venetian territory. At this point, he made it his goal to master the form of Renaissance painting this included a perspective, figural style, and the ability to create and stage elaborate narratives, for the work he would create. The mural of Christ healing the blind is one of the pieces that showcases this narration, and is one of his most famous art works created. He also wrote treatises about painting, and the style of work he created for the art world.

Upon moving from Venice, El Greco lived and worked in Rome from 1570 to 1576. He came with a letter of recommendation from the Croatian miniaturist, and this secured him a place to stay and work while in Rome. There he set about mastering the elements of Renaissance Art, including perspective, figural construction, and the ability to stage elaborate narratives. By the time El Greco arrived in Rome, Michelangelo, Raphael and Leonardo da Vinci were dead, but their example continued to be paramount, and somewhat overwhelming for young painters. El Greco was determined to make his own mark in Rome defending his personal artistic views, ideas and style. He stayed with Alessandro Farnese, who was possibly the wealthiest and most influential patron in Rome, during this period. In 1572, El Greco joined the painter's academy, where he was known to have one or two assistants while working here. Although he did not receive the commission he was hoping for in Rome, he did receive numerous requests for portraits, and small scale devotional paintings and sculptures to be created for high end clientele. One of the reasons why El Greco was chastised in Rome, and possibly did not reach the peak of his career there, was due to the fact that he had criticized Michelangelo, and his extensive work, which was highly respected in Rome for this reason, the work El Greco was not viewed for its full potential, and he was ostracized by many for this.

In 1576, El Greco made the move to Spain, where his first bid for royal patronage with Phillip II, failed. It was not until he moved out to Toledo, where he finally became recognized as a great artist, and the potential he had was finally being viewed by peers, and admirers in the art world. El Greco was immortalized in this city, and the piece View from Toledo was quite possibly one of his most famous pieces in the city he found a group of friends and colleagues, and was beginning to make his mark as an artist it was in the city of Toledo where he began making a profitable career for himself as an artist.

While in Toledo, El Greco was commissioned to paint three altarpieces, by Diego de Castilla (who was the dean of the Toledo Cathedral). These pieces were to be painted for the Church of Santo Domingo el Antiguo. These were quite possibly some of the biggest masterpieces the artist created, and were the first major art works he did. They focused on a variety of styles, and unique form which he had picked up while living in Italy. Some hints of naturalism could be seen in the characters, compositional ideas which were learned by the works of Michelangelo were also present in his paintings, and there was also a mannerist emphasis, on the elegant and refined features which were noted, in the three works he was commissioned to create.

During the commission of these works, a dispute between the price that was paid, and what El Greco hoped to earn, led to litigation this not only caused a rift between those who had befriended him in Toledo, but also left a mark on the career which followed. Due to this issue, El Greco never received another sizable commission from the religious authorities, and was never hired to do work on any churches for the remainder of his career. Most of the work and commissions that were received in the later part of his career, came from private individuals, as well as covenants in the city.

The most famous painting which El Greco drew was The Burial of Count Orgaz, which was commissioned by the parish priest (Santo Tome), in Toledo, in 1586. It was a celebration of the financial obligation that people had to the church. The picture is meant to serve as a real world of the viewer, and the fictional world as seen through the painting. This piece is central to the understanding that the art world has to El Greco and his work in general it captures the essence of his art, which is a visionary experience which hasn't been duplicated by any other artist.

El Greco also excelled as a portraitist, mainly of ecclesiastics or gentlemen, who was able not only to record a sitter's features but to convey his character. Although he was primarily a painter of religious subjects, his portraits, though less numerous, are equally high in quality. Two of his late works are the portraits of Fray Felix Hortensio Paravicino (1609) and Cardinal Don Fernando Nino de Guevara (1600). Both are seated, as was customary in portraits presenting important ecclesiastics. By such simple means, the artist created a memorable characterization that places him in the highest rank as a portraitist, along with Titian and Rembrandt.

Late in his career, El Greco rejected the art form as a vehicle for his art, and embraced the self conscious style, known as maneira. This stems from the fact that the artist took the opposite route when the style of mannerism was being rejected in Rome while other artists were turning away from this form of art, El Greco accepted it, and worked it into his pieces. Elongated twists and forms, and unreal colors were some of the basis for his artwork.

I paint because the spirits whisper madly inside my head." - El Greco

Just like Shakespeare on literature, and Sigmund Freud on psychology, El Greco's impact on art is tremendous. Not only was El Greco one of the most influential artists, he was the only Western artist to move the mentality and perception of the art world. With a spiritual basis for his work, he welcomed the new and unseen, while rejecting the perceptions of what art should be, which was something no other artist during his time was willing to do. El Greco is one of the few old master painters who enjoys widespread popularity. Like Johannes Vermeer, Caravaggio, and Sandro Botticelli, he was rescued from obscurity by an avid group of nineteenth-century collectors, critics, and artists and became one of the select members of the modern pantheon of great painters. His works later influenced realist, impressionist, cubist, and abstract painters, including Pablo Picasso, Vincent van Gogh, and Paul Cezanne.


Ver el vídeo: Muere cantante argentino El Greco. DIGAME USTED (Enero 2022).